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5 libros "experimentales" que no son Rayuela

El término “experimental” es ambiguo. Lo es aún más en las artes, especificamente en la literatura. Normalmente al pensar en literatura que se define con ese adjetivo pensamos en obras que destacan por sus historias o por las maneras en las que se cuentan estas historias. Dentro de esta clasificación la más conocida, al menos en latinoamérica, es Rayuela de Julio Cortazar pero hay muchas más por conocer. Así que si te gusta salir de la estructura tradicional de una novela o cuento, te dejo la siguiente lista (libros tanto en ingles como español):

Anteparaiso – Raúl Zurita

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The Mezzanine – Nicholson BakerTheMezzanine.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

House of Leaves – Mark Z. Danielewski

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La Feria – Juan José Arreola

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Finnegan’s Wake – James Joyce

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7 datos básicos que deberías saber sobre el feminismo

El feminismo no es tan complicado como puede llegar a parecer. No es tampoco una novedad, no es invento de las millenials, ni de un grupo de “chavas chifladas que no tienen nada que hacer”. Si bien la mala fama o la mala reputación del feminismo no es nada nuevo, se ha extendido y generalizado por las redes sociales. Así que en resumidas cuentas, les comparto nociones básicas del feminismo que todos deberíamos saber para entender mejor de lo que se trata:

  1. La palabra feminismo como tal, surge desde aproximadamente el año 1890 para hacer referencia al movimiento social y político que busca la equidad de género y la liberación de la mujer quien ha estado en una posición subordinada desde tiempos remotos. 
  2. A través de la historia se han distinguido distintas olas o momentos en el feminismo: la primera ola, caracterizada por los movimientos sufragistas del siglo XIX y principios del XX, la segunda ola, que abarca de 1960 a finales de 1980 y se caracteriza por el movimiento de liberación de la mujer enfocado en los derechos legales y sociales y por último la tercera ola, que es la que se vive actualmente y es una continuación.
  3. El feminismo NO puede ser llamado humanismo o igualitarismo porque NO SIGNIFICAN LO MISMO. El término de humanismo es de apenas el siglo XIX y se refiere a una enseñanza enfocada en los clásicos griegos y latinos al igual que también a la idea renacentista de la importancia de las letras en la vida del hombre. Por otro lado, el igualitarismo se define como una ideología que busca la igualdad política entre los hombres. No se enfoca en un problema en específico como el feminismo que busca que la mujer sea empoderada, sino que simplemente explica que el concepto de igualdad va sobre todo (ignorando todas las diferencias sociales). Entonces, si te da miedo usar la palabra feminismo probablemente es porque tienes que entenderla mejor.
  4. La palabra “feminicidio” hace referencia a la muerte violenta de una mujer por razón de género. El motivo que lleva al acto es la condición de ser mujer. Estos casos se distinguen a otros ya que la víctima con frecuencia muestra signos de violencia sexual, hay antecedentes de agresión por parte del sujeto activo hacia la víctima, hay antecedentes de una relación sentimental entre el sujecto activo y la víctima, entre otros parámetros que se utilizan para determinar al acto como un feminicidio. En México, siete mexicanas son asesinadas cada día.  (El País hizo un reportaje extenso sobre los feminicidios en México, checalo aquí)
  5. La brecha de salario en México en promedio es del 17% (OCDE, 2017). Para que su salario equivalga a lo que gana un hombre en un año, una mujer tendría que trabajar aproximadamente 15 meses. Para las mujeres con hijos existe una brecha aún más grande, hasta de un 33.2% (OIT, 2016).
  6. El patriarcado literalmente significada “gobierno de los padres”. Esto hace referencia a una estructura en la que el hombre y su valor van por encima de las mujeres. Gerda Lerner autora del libro “La Creación del Patriarcado” da la siguiente definición: “[El patriarcado es] la manifestación e institucionalización del dominio masculino sobre las mujeres y niños y niñas de la familia y la ampliación de ese dominio sobre las mujeres en la sociedad en general”. Entonces cuando se hace referencia a “destruir el patriarcado” lo que significa es que el feminismo busca eliminar la idea del dominio sobre la mujer tanto en al ámbito personal (roles en casa, matrimonio, sexualidad) como en el ambito social (puestos en empresas e instituciones).
  7. Es necesario leer e investigar las vidas de activistas y escritoras del feminismo para entender muchas de las ideas que son esenciales para el movimiento. Algunas de las mujeres feministas más importantes han sido las sufragistas de la primera ola (Susan B. Anthony, Mary Wollstonecraft, Emmeline Pankhurst) al igual que escritoras como Simone de Beauvoir y Virgina Woolf.  Posteriormente en la segunda ola están Betty Friedan y Gloria Steinem. Entre otras más actuales se encuentran Judith Butler, Angela Davis, Chimamanda Ngozi Adichie, Bell Hooks y Roxane Gay.

Espero que después de leer los datos básicos hayas adquirido un entendimiento general y por encima de lo que es el feminismo y también el porqué es importante que seamos parte del movimiento.  Es importante educarnos sobre el asunto para poder evitar comentarios estúpidos en redes sociales que afectan y achican los objetivos del feminismo. (TE ESTOY VIENDO A TI MERCADO DE LIBROS TEC)

Que no te de pena autodenominarte feminista, ya es hora de que todos lo hagamos. 

 

 

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Live Out

Glass Animals
Foto de Ricky Ortiz @ricardoortiz98

El pasado sábado 21 de octubre se presentó por tercera ocasión el festival Live Out en Monterrey. Más de 60,000 personas asistieron al evento que estuvo integrado por bandas como Interpol, Phoenix, Glass Animals, Portugal. The Man, Paramore, The XX, The Growlers, y otras más.

Desde el momento en que salió el line up compré los boletos. Estaba emocionada desde mayo por el concierto y con el lanzamiento de nuevo material de varias de las bandas ya quería que llegara el momento de verlos en vivo. Ya en el Live Out, aunque todas las bandas estuvieron increibles, destacaron Paramore, The XX y Glass Animals. Cumplí uno de mis sueños de la pubertad al ver el set de Paramore y escuchar Misery Business (entré en shock cuando dijeron que habían pasado ya 10 años desde Riot!) El show de The XX también fue uno de los mejores por su calidad de sonido cortesia de Jamie XX y por la emotividad con la que cantan Oliver y Romy. Ya al final de la noche Phoenix cerró con broche de oro cantando varias canciones de su nuevo álbum y también muchas de su primer album.

Live Out
Foto de Ricky Ortiz
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Foto de Ricky Ortiz
Phoenix
Foto de Ricky Ortiz

Al decir que Live Out es mi festival favorito de Monterrey estoy siendo 80% parcial ya que en general las bandas que han sido parte de los line ups van con mi gusto músical. Desde el 2015 el Live Out se ha consolidado como un festival de música que puede caer bajo la etiqueta ambigua de “indie” o “alternativa” y considero que se han comprometido en verdad a que ese sea el sonido predominante en sus line ups. El otro 20% de mi preferencia al Live Out se basa en el hecho de que no tratan de jalar a la gente con uno o dos artistas o bandas de headliner en la que se nota que se les fue todo el dinero sino que buscan que todas (o la mayoría) las bandas que participan en el festival tengan una fan base establecida. Tienen una visión clara de lo que es el evento y quien es su público.

Más allá da la calidad del line up, me gustó también que tuvieran a muchas personas vendiendo bebidas entre la gente. Cada veinte pasos podías encontar a gente del staff con sus cubetas. Esto elimina las molestas filas en los stands y te permite más libertad al moverte de lugar a lugar, lo cual es un súper plus en cuanto a logística. Tampoco hubo intentos raro de usar cupones como dinero, ni problemas en el acceso.

He podido ver como año con año el Live Out se ha superado y en definitiva esta edición ha sido mi preferida. Ya espero con ansias que llegue el 2018.

*Gracias a @ricardoortiz98 por las fotos*

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El arte macabro de Olivier de Sagazan

El arte incomoda. Llega a ser un acto de comunicación entre el artista y el público, una necesidad de hacerlos sentir. El arte del performance es interdisciplinario, es cuando el cuerpo es el medio para crear una acción que se percibe como artística. El performance evoca emociones y en el caso del artista Olivier de Sagazan, su performance crea una incomodidad de origen incierto.

Olivier de Sagazan, nacido en el Congo en 1959, es un artista, escultor, fotógrafo y artista del performance. El arte de Olivier se basa en la transfiguración, usándose a sí mismo como canvas para crear nuevos personajes cubiertos en arcilla y pintura. Estas capas comienzan a tomar forma cuando las desgarra y las rompe con movimientos violentos que parecen inhumanos.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=6gYBXRwsDjY]

La mente creativa de Olivier será parte de la nueva serie “Channel Zero” de Nick Antosca. Antosca involucró a Olivier por sus ideas inusuales y por su habilidad de crear figuras extrañas. Olivier inclusive propuso prenderse en fuego para la serie, pero su idea fue rechazada por razones de seguridad. El trabajo de Olivier también se pudo ver en la película de Ron Fricke, “Samsara”. Esta película es considerada más como un documental que abarca 25 países, las diferentes religiones y el concepto de ciclo de vida. “Samsara”, que intenta ser un momento de meditación para entender lo extraño que es el mundo, incluye el performance de Olivier. Esta es una de las escenas más recordadas de la película y es también una que muchos quisieran olvidar.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=3F0mnSydTb0]

Olivier está constantemente en el borde de lo macabro, creando imágenes salidas de pesadillas que se consolidan no sólo por las capas de materiales que utiliza sino que también con sus movimientos y sonidos al hacer el performance. Aunque en sí el performance no consiste en muchos elementos, la manera en la que Olivier nos presenta su “cambio de cuerpo” crea un sentimiento de miedo e intriga. Su inclinación a perturbar mediante su arte crea un morbo que incomoda e hipnotiza al espectador. La transfiguración nos hace reflexionar sobre lo primitivo de la vida humana y lo susceptibles que somos a las manifestaciones artísticas que nos lo recuerdan.

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Blade Runner 2049 o la sorpresa de una secuela bien hecha

Al salir de la sala después de ver Blade Runner 2049 sentía que no sabía qué año era. Lo han dicho en otras reseñas, la experiencia visual que se nos presenta en conjunto con la música y una historia bien hecha crea una experiencia alucinógena que hace que las casi tres horas de película valgan la pena.

La nueva película del director Dennis Villeneuve (quien también hizo Arrival y Sicario) logra que su secuela se ponga a la par de la original. Una hazaña que para muchos parecía imposible. Blade Runner salió originalmente en 1982 y fue dirigida por Ridley Scott (director también de Alien y The Marian). La historia está vagamente basada en la novela de Philip K. Dick titulada Do Androids Dream of Electric Sheep?. Unos años después se logró convertir en una de las películas de sci-fi más aclamadas y reconocidas junto con 2001: Space Odyssey y Metrópolis.

Blade Runner 2049 se posiciona junto a la original principalmente por su historia ya que logra lo que pocas secuelas hacen; recrear el universo original de una manera precisa y además crear una trama que logre ser igual de interesante como la primera. Blade Runner 2049 comienza 30 años después de la primera película y se enfoca en la vida de “K” (Ryan Gosling) un Blade Runner que al igual que Rick Deckard (Harrison Ford), tiene la misión de encontrar Replicantes y “retirarlos”. En una de sus misiones, “K” encuentra un baúl enterrado que lo lleva a descubrir un secreto que además de amenazar la relación entre Replicantes y humanos, lo lleva a él a tener dudas sobre su existencia. Parte interesante de la narrativa de la película son los múltiples “plot twists” que afectan tanto a los personajes como a la audiencia. La duda queda en el aire: Do Androids REALLY Dream of Electric Sheep?

La música y la cinematografía son definitivamente unos de los elementos más interesantes de la película. La música es gran parte de lo que crea la atmósfera de un Los Ángeles futurista y distópico. En un principio la música estaba bajo el mando de Johann Johannsson, quien ya había trabajado con Villeneuve en el score de Arrival y Sicario pero unos meses después fue reemplazado por Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch (A Cure for Wellness, IT) para intentar un sonido más parecido al de la película original. La música de Blade Runner fue hecha por Vangelis, reconocido pionero en la música por utilizar principalmente sintetizadores en su música. Desde mi punto de vista Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch logran llevar al siguiente nivel lo que hizo Vangelis. No deja de ser un homenaje pero es también una exaltación de dramatismo y tensión que sobrepasan los niveles de la película original.

La cinematografía de Roger Deakins nos transporta a un mundo solitario, a un páramo tóxico y una ciudad sucia inundada en luces neón. Hay muchos momentos sin diálogo en que la imagen sirve como única explicación. Estos momentos pueden parecerles un tanto tediosos a algunos considerando que la película si dura casi tres horas pero pienso que lo atractivo de la estética visual de Deakins hace que esos momentos de pausas o de transición en las escenas valgan la pena. Cada fotograma queda bien para ser el wallpaper de tu laptop.

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Warner Bros.
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Warner Bros.

El futuro caótico que Ridley Scott presenta en Blade Runner sigue ahí. En el Los Ángeles del futuro hay avances tecnológicos impresionantes que nos hacen pensar en la manera en que la sociedad cambiará pero también siguen presentes muchas de las dudas eternas sobre la esencia del “hombre”. Blade Runner 2049 regresa a hacer énfasis en este tema; la pregunta sobre qué es lo que hace a un humano. El concepto de alma es esencial para responder esta pregunta al igual que la importancia de los recuerdos y cómo estos son la base que nos permiten crear relaciones con otras personas. Dennis Villeneuve logró con Blade Runner 2049 lo que pocos han podido; presentar una secuela que complementa y elogia a la anterior al igual que una película que se puede sostener por sí sola.

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mother! y el caos de Darren Aronofsky

 

screen-shot-2017-08-29-at-1-15-14-pm.pngDarren Aronofsky, director de Black Swan, Requiem for a Dream y Noah, presenta su nueva película: mother!. Protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem, mother! dio mucho de que hablar desde su estreno en el Venice Film Festival ya que ocasionó una reacción polarizada en la sala; algunos aplaudían mientras otros abucheaban.

La trama de mother! se resume de manera simple (sin considerar la última parte de la película) como la historia de una pareja sin nombre (Lawrence y Bardem) cuya vida cambia tras la visita de huéspedes inesperados. Conforme avanza la película, la tensión aumenta hasta llegar a niveles inimaginables. Si los primeros encuentros con estos desconocidos dentro de la casa causan un sentimiento de incomidad, no se compara con lo que se siente en la tercera parte de la película.

Gran parte de la publicidad que ha recibido la película es principalmente por la duda que crea en la audiencia sobre que es lo que en verdad se esta tratando de decir. Como es natural, el público sale de la película con dudas y se han sugerido muchas interpetaciones. Para mi, mother! fue un recuento de la biblia, también una alegoría sobre el fanatismo religioso, la idea del artista y su musa, los distintos roles impuestos por la sociedad que una mujer debe cumplir. Lo más claro es la referencia a la biblia; una pareja que vive alejada en un bosque, un hombre que se siente Dios y una pareja de extraños que nos recuerdan a Adan y Eva por introducir el pecado al mundo. Abel y Caín también están presentes en la forma de hijos de la pareja visitante. Sigue después con referencias a la Virgen María, al miercoles de ceniza y a la eucaristía.

Tras tanta duda y suposición, el mismo Aronofsky ha tratado de explicar el mensaje. El explica que más allá de contar la historia de la Biblia, es también una alegoría sobre el cuidado de la tierra y los abusos que los humanos hemos estado cometiendo con el ecosistema. Siento que gran parte de lo especial de este tipo de peliculas recae en la duda y en las distintas opiniones que se crean en la audiencia así que en el momento que Aronofsky intenta explicarla, se pierde un poco de la magia. Yo si creo que la historia debe hablar por si sola, no el autor en su lugar porque como dice Barthes: “The birth of the reader must be at the cost of the death of the author.”

mother! presenta el caos primero de manera sútil pero claustrofóbica, los sentimientos de los personajes se expresan a través de tomas cerradas que evocan un sentimiento de desesperación. Después, el caos se muestra través de un kitsch visual que se distorsiona y llega a ser una secuencia de eventos que llegan a no tener sentido. En lo que acierta mother! es en causar en las personas la necesidad de una opinión. La discusión sobre el significado de la película podría ser igual o más entretenida que la pelícua misma.

Mientras estaba sentada en la sala, y mientras la película llegaba a su fin, me puse a penar en el concepto de catarsis. Los griegos usaban la palabra catarsis para describir el sentimiento de purificación o de liberar sentimientos reprimidos que uno puede llegar a experimentar a través del arte. En el caso de mother! la catarsis del público es opuesta. Después de los últimos minutos y al salir de la sala no me sentí renovada ni purificada, mis emociones se habían paralizado por la impesión de las últimas escenas. Por otro lado, si sentía la urgencia extrema de compartir/soltar/liberar/purgar mi opinión que se había estado cultivando por las últimas dos horas.

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Review: The National – "Sleep Well Beast"

El viernes 8 de septiembre The National sacó su séptimo álbum. La banda integrada por Matt Berninger, Bryce Dessner, Aaron Dessner, Bryan Devendorf y Scott Devendorf presentan una propuesta que si bien, tiene la misma esencia que los que escuchamos a The National nos gusta y atrae, esta ahora transformada en un sonido más complejo y diverso.

Este cambio en su música es en definitiva un nuevo capítulo para The National. Tras sus discos pasados como Boxer, Alligator, High Violet y Trouble Will Find Me, ya era necesario intentar algo diferente. Tras casi 17 años juntos como banda, hasta sorprende que haya pasado tanto tiempo para que quisieran mostrar una faceta musical que demuestra un mayor énfasis en la producción y en la creación de un nuevo ethos en el que todo se vale. En esta nueva libertad se escucha más el lado experimental de los gemelos Dessner resultando en una diversidad que aunque se parece poco a sus otros discos, funciona de manera interesante.

Con canciones como “Nobody Else Will Be There”, “Empire Line” y “I’ll Still Destroy You”, el nuevo sonido muestra un poco de la libertad que surge al intentar renovar un ambiente que por tantos años se ha caracterizado por ser de distintos tonos de gris y negro. Sleep Well Beast evoca el sentimiento de regresar intoxicado y triste de una fiesta que ni te gustó y que el sentimiento te dure hasta la siguiente mañana cuando te das cuenta que tienes cosas que hacer; abrumador pero honesto.

Ya lo puedes escuchar en cualquier plataforma de streaming o aquí abajo.